FNAC CALLAO
Del 1 de junio al 15 de julio 2011

PHOTOESPAÑA 2011

Giuseppe Moccia (Nápoles, Italia, 1978) creció en Roma, donde vive actualmente. Graduado en Economía Internacional por la Universidad de Roma, durante su etapa universitaria viajó por Europa, África, Estados Unidos y Sudamérica. En el 2005 comenzó a colaborar con la Associated Press en Roma y obtuvo una beca de la agencia Ansa. En el 2006 participa en el Toscana Photography Workshop y realiza un reportaje para la ONG CISP sobre la juventud bosnia. En marzo de 2007 expone de forma individual por primera vez en la Galería Trip de Nápoles y es seleccionado para los primeros talleres fotográficos FocusOnMonferrato. Posteriormente inicia un proyecto de encargo del estudio Bryan Cave LLP de Milán sobre desarrollo. A Moccia lo mueve un incansable espíritu curioso que le ha empujado a viajar por los cinco continentes.

En su obra El chico de los Miércoles, Moccia aborda la vida de Christopher, un joven de 18 años con síndrome de Down. Esta circunstancia lo posiciona entre dos realidades, ya que por un lado puede comunicarse efectivamente, pero por otro lado no tiene las habilidades para vivir independiente dentro de la sociedad.

Christopher en su habitación el primer día que le conocí, interpretando algunas de sus canciones hip hop preferidas.

Christopher lucha por su inclusión social. Moccia le conoció en el Instituto Shield, una organización que proporciona programas de formación en entornos laborales para personas con discapacidades intelectuales.

Cuando lo conoció acababa de comenzar su programa de formación en un restaurante de comida rápida en Bayside, Queens. Como Christopher sólo trabaja los miércoles su jefe se refiere a él como “el chico de los miércoles”.

Chistopher limpia la mesa el día de su turno de trabajo los miércoles en un restaurante de comida rápida en Bayside Queens.

El grado de discapacidad de Christopher es muy bajo, lo que le posiciona entre dos realidades diferentes, por una parte es capaz de comunicarse correctamente tanto verbal como físicamente pero por otra carece de habilidades para el cuidado personal y del hogar o el aprendizaje, necesarias para vivir, trabajar y adoptar un papel en la sociedad. La historia de Christopher aborda los temas de la diferencia y la vulnerabilidad.

Christopher, recién levantado, canta una canción a Pedro, su asistente personal (Christopher le encanta entretener a las personas de su alrededor cantandoles sus canciones preferidas.

ALLIANCE FRANÇAISE
Del 1 de junio al 24 de julio 2011

PHOTOESPAÑA 2011

La Alianza Francesa de España, en colaboración con la Fundación Pilar Citoler y la Embajada de Francia, organizaron un concurso fotográfico en torno a un tema universal: la tolerancia. Un jurado presidido por la coleccionista Pilar Ciotler y el director de Alliance Française Madrid, Juan Luna y formado por profesionales como Rosa Muñoz, Ciuco Gutiérrez, Pierre Gonnard y Paco Carpio, realizaron la selección de las mejores fotografías para crear la exposición colectiva.

. Primer Premio: Rafael Liaño Cortejosa – A Banderazos

Rafael Liaño Cortejosa (Cádiz, 1952), es un fotógrafo profesional que ha comisariado y participado en más de un centenar de exposiciones. A través de su obra, Rafael Liaño ha mostrado interés por el paisaje urbano, tomando como punto de partida paisajes naturales del entorno… paisajes que están a punto de ser absorbidos por la metrópoli. Como bien señala el propio Liaño, el “campo ya ha dejado de existir, no es más que un recuerdo”.

. Segundo Premio: Veronica Fieiras – Persona III 05

Veronica Fieiras (Buenos Aires, 1975), es profesora de fotografía desde hace tres años en la Efti Madrid y ha participado en una decena de exposiciones. Gran parte de su obra se centra en el retrato.

“Hago retratos para entender al ser humano contemporáneo. Me interesa la transformación de su modo de vida hacia la soledad, el aislamiento y la incomunicación. Es un viaje hacia la construcción de mi propia identidad a través de la experiencia íntima. Hacer fotos me ayuda a conocerme a mí misma y cada uno de mis modelos son pequeños fragmentos del puzzle que va formando mi autorretrato.”

. Tercer Premio: Marc Sañé Aulet – El peso de la pobreza

Marc Sañe Aulet es foto reportero desde hace más de 7 años y trabaja por el periódico EL9NOU de Cataluña.

. Mención Especial del Jurado: David Latorre Jubero – Lecciones que nunca se deben olvidar

David Latorre Jubero (Huesca, 1973), artista que trabaja en la fotografía, esculturas e instalaciones partiendo siempre de su entorno más cercano. Con una vocación documentalista, el proceso incluye la recogida, difusión y catalogación de diferentes lugares en vías de transformación, espacios que después son interpretados a través de instalaciones y escenografías. El interés por los lugares como fuente de conocimiento social y cultural -por lo general edificaciones marginales, deprimidas o abandonadas- llevó a Latorre a plantearse la realización de un proyecto específico sobre el Centro Penitenciario de Huesca, que permaneció cerrado y en desuso desde 2005 y cuya demolición tuvo lugar en 2008. Su obra va más allá del significado que la antigua cárcel oscense pudo tener como edificación pública, y trata de profundizar en los efectos psicológicos y de la conducta que el entorno ejerce en el confinamiento de los reclusos.

. Obras finalistas:

- Antonio Pérez – Abriendo carreteras entre Cisjordania e Israel

- Carlos Andrés Escobar Restrepo – Renfe

- José Luis Esteban – La tranquera

- Manu Alarcón – Quatre contre quatre

- María Zarazúa – A propósito de Eri #3

- Natxa Pomar – Axum. Éthiopie

ISTITUTO EUROPEO DI DESIGN. PALACIO DE ALTAMIRA
Del 16 junio al 26 de julio del 2011

PHOTOESPAÑA 2011

La obra de Llorenç Ugas Dubreuil asume como objeto de estudio la ciudad contemporánea, potenciando una relación sentimental con la misma, en la que la arquitectura fotografiada alberga la experiencia personal de espacios de tránsito deshabitados.

El proyecto Cartografiar el espacio parte de las coordenadas geográficas del propio ámbito expositivo, basándose en la geolocalización, para dar paso a “no-lugares”, esos espacios públicos en los que la tradición se difumina y se manifiesta la homogeneización de recintos globales.

Con esta obra, Llorenç parte de la arquitectura vacía, áreas de vida reflejadas ahora lejos de su uso cotidiano, para exhibir su composición y la magnitud del espacio a través de escenas donde la intensidad de color provoca hondas emociones. Son sitios comunes dispuestos para la observación íntima, zonas de pasaje entre lo público y lo privado, ausencias y soledad pertenecientes a edificios de nuestros días.

En su conjunto es una narración suspendida, donde universos simétricos son teatralizados para que se imponga el reposo en estancias inmaculadas no destinadas inicialmente a la contemplación. No obstante, no se fotografía la nada, aunque sean lugares vacíos de gente, sino una huella donde cobra forma el silencio, que no es sino la posibilidad de otros escenarios a la espera de una nueva historia.

Cartografiar el espacio está compuesta de diversas series como Lugares (2007-2008), Más allá del silencio (2007-2008), Rastros (2008-2009), que tienen como eje central el espacio vacío y aquello intangible que se percibe en ellos cuando pierden su función.

. Lugares (2007-2008)

“Siempre me ha interesado el espacio, aquello delimitado y llamado lugar, pensado para realizar una función, un sitio para algo. Me interesan estos lugares en el instante que quedan vacíos, parados, quietos, sin uso. Cuando dejan de ser útiles. En ellos encuentro mi excusa, un punto de partida. Me intereso por los lugares aparentemente inconexos, por la capacidad que tienen de silenciar, de esconder. Me pregunto qué es lo que no cuentan estos lugares silentes. Acudo a hacer las tomas instantes antes de que cierren, o de que apaguen sus luces, o de que se cierren por última vez sus puertas.” Llorenç Ugas Dubreuil.

. Más allá del silencio (2007-2008)

En esta serie, Llorenç continuó indagando sobre los espacios cuando están desprovistos de toda utilidad. El artista no busca un espacio en concreto, sino que, según él, son los propios espacios los que le han escogido a él. Como si éstos tuvieran la necesidad de que se capturase ese instante de tiempo para especular con las historias que esconden.

. Rastros (2008-2009)

A través de esta serie, Llorenç observa aquello que se deja al pasar, cuando ya no se está. Una puerta abierta, una luz encendida, unas escaleras, una silla que no está en su sitio, cualquier signo, cualquier huella que nos indique el paso del ser humano. En Rastros la presencia, la historia se hace evidente a través de estos signos.

. Otra Ciudad BCN (2008-2011)

La necesidad de ordenar, de construir y de ocupar el espacio, lleva al hombre desde tiempos ancestrales a modificar el entorno para adaptarlo a sus necesidades. La ciudad construida engulle, arrastra y empuja a sus habitantes. A la vez, construyendo este paisaje, la sociedad acumula multitud de lugares, que observados desde la distancia -y cuando no se usan- se muestran como extraños, incluso absurdos. Estos espacios, convertidos en no lugares (localizados) se acumulan por todas partes.

Llorenç, a través de su obra, investiga el paisaje urbano y lo documenta a través de fotografías y vídeos. Cataloga una ciudad sobreconstruida, llena de espacios que sin los usuarios para los que ha sido edificada queda abandonada en un lugar sin tiempo.

Un parking en la noche iluminando el vacío. La puerta trasera de un supermercado, dando luz a la nada. Una farola en medio de un polígono industrial, iluminando el silencio. Luz en el parque, llenando el espacio… Llorenç muestra la ciudad a través de imágenes, en las que aparecen diferentes espacios que se cruzan por su camino. A través de distintas derivas que le llevan sin rumbo, y que desembocan en una interminable lista visual de lugares absurdos.

Todos son lugares construidos para el desarrollo de la sociedad, para su supuesto bienestar. Espacios usados para transitar, dirigir, entretener, lugares todos con funciones fugaces y muchas veces necesarias para nuestro desarrollo como sociedad. Pero entonces ¿para qué sirven durante la noche? ¿p0rqué siguen funcionando? ¿porqué están allí, encendidos como si alguien los fuese a usar? Esta acumulación de espacios genera un estado de tensión, un silencio extraño que invade la noche.  Esta otra ciudad enseña sus entrañas, nos hace conocedores de nuestro anonimato dentro de ella.

. Público_privado (2009-2011)

Este proyecto explora los límites entre lo público y lo privado. Propone una mirada sobre la difusa línea que separa el espacio privado del compartido, cuestionando la definición que la sociedad ha dado a estos dos espacios.

Llorenç cataloga los espacios públicos a través de su propia experiencia de lo cotidiano y los espacios privados partiendo de las polaroids disparadas por un grupo de 50 personas de su entorno, a las que pidió que dispararan dentro de su casa aquel lugar privado en el que ellos se sintieran refugiados.

¿Existe realmente un espacio que se pueda definir como público, y uno que se pueda definir como privado? ¿Es algo que se pueda explicar de una forma física? ¿o es solamente mental?

PHotoEspaña 2011 en el IED Madrid. Llorenç Ugas Dubreuil. from IED Madrid on Vimeo.

MUSEO ABC
Del 26 mayo al 18 septiembre 2011

El Museo ABC ha lanzado el programa Conexiones, un innovador planteamiento creativo en el que un artista invitado, siempre ligado al dibujo en cualquiera de sus manifestaciones actuales, desarrolla una exposición tomando como punto de arranque la elección de una obra procedente de la Colección Santander y otra de los fondos del Museo ABC. Con este programa, el museo se abre hacia una creación más moderna y hacia los artistas contemporáneos, que utilizan los dibujos y las ilustraciones como un eje de su obra.

Para “CONEXIONES 01″, Santiago Morilla seleccionó un magnífico jarrón ornamental de cerámica de Alcora de la Colección Santander, junto al dibujo de un cérvido de Fernando López Herencia, publicado por la revista de caza Trofeo en 1980, de la Colección ABC. En apariencia se trata de dos piezas ajenas y lejanas, por su origen, técnica, fecha de creación, destino y uso.

De algún modo sólo se ven ligadas por la repetición de un elemento iconográfico común: la testa cornada. Sin embargo, este detalle es sólo el punto de partida anecdótico que llevará a Santiago Morilla a plantear a lo largo del desarrollo expositivo una profunda reflexión sobre el ornamento, la violencia y la metamorfosis de la materia.

Tomando prestado, para pervertirlo, el título del célebre texto de Adolf Loos, Ornamento y delito de 1908, el artista se adentra, como es habitual en su obra, en los intrincados mundos del arabesco, del ovillo, del garabato y del nudo. Son fórmulas evidentes de la complejidad y, al tiempo, de la sutileza. De sus marañas de hilos vemos aparecer fragmentos de cuerpos humanos y animales y nos preguntamos sobre la forma y el uso del objeto (¿útil contenedor o simple decoración?).

Los apretados ovillos de Morilla son imagen del sinsentido: su interior alberga todo tipo de deformaciones y formas inesperadas. Son cuerpos sin órganos, donde cada parte puede asumir la función de las demás. Es un original descuartizado y todo él mezclado, deglutido, rumiado. Morilla parece recordarnos que hasta los elementos figurativos pueden ser entendidos fuera de su contexto como puro juego de formas, delirio y deriva.

Santiago Morilla ha creado un conjunto de algo más de 30 dibujos de diverso formato, que operan en torno al concepto de carga ornamental, haciendo suyas las premisas de Adolf Loos y transportándolas a un terreno violento y crudo.

Una suerte de ‘prototipos bomba’ u ‘hombres bomba’, tal y como los define el artista, que son atrapados por la sobrecarga de volumen ornamental y convertidos en criaturas mutantes por culpa del exceso orgánico. Seres humanos atrapados en el grutesco que, a diferencia de bestias, animales, plantas y seres fantásticos—sus compañeros habituales en el hábitat particular del ornamento—, luchan violentamente por escapar del envoltorio decorativo.

Junto con los dibujos realizados, Santiago Morilla ha realizado una intervención site-specific que conecta con sus intervenciones urbanas, siguiendo la trayectoria en el street art. Una carrera que cobró impulso con su intervención en los muros exteriores de la Fondazione Pastificio Cerere de Roma, y ganó adeptos al tomar la azotea de la Real Academia de España en Roma y varias fachadas de la calle Ballesta de Madrid.

Santiago Morilla (Madrid, 1973) estudió Bellas Artes en su ciudad natal y vive entre la capital española —donde en 2006 tuvo lugar su primera individual, en un espacio tan activo en pro de la ilustración como SinSentido, y donde hoy trabaja con la Galería José Robles— y Roma, donde en 2009 fue becario en nuestra Academia. Ha realizado un trabajo ya importante en las fronteras entre la ilustración y el diseño.

En la exposición individual Ornamento y detonación, Morilla demostraba ser dueño de un idioma lineal, proliferante, obsesivo, en rojos y negros, y con unas connotaciones neosurrealistas que a la postre está claro son patrimonio común de varios de los «aventureros de líneas» en España. Amplitud de intereses de Morilla, que ha realizado varios libros de artista, que ha practicado el «wall drawing», y el dibujo sobre suelo, y el dibujo sobre cerámica, y la publicidad —por ejemplo, para los zapatos Camper—.

ARANGUREN + GALLEGOS

Proyecto: Museo ABC, Madrid
Dirección: Calle Amaniel, 29
Tipología: Museo
Autor: Maria José Aranguren, José González Gallegos
Año del proyecto / Construcción: 2010
Bibliografía:
Coordenadas:  40°25’39.62″N, 3°42’34.89″W
Localización

“La Arquitectura es una mezcla de NOSTALGIA y ANTICIPACIÓN, una coexistencia entre la historia y la vanguardia.” Jean Baudrillard

El Centro ABC de Dibujo e Ilustración, surge con una voluntad de ser un referente artístico a nivel internacional y también un símbolo de la oferta cultural de Madrid.

Su instalación en el edificio de la antigua fábrica de la calle Amaniel, (edificio de 1900 que albergó la primera fábrica de Cerveza Mahou en la capital) ha de responder a una adecuada intervención en un edificio histórico, pero sin renunciar a expresar un carácter de centro contemporáneo con una oferta cultural y artística diversa vinculada con instituciones de gran carácter vanguardista.

Situado en la calle Amaniel 29-31, junto al Convento de las Comendadoras, el Museo ABC está llamado a revitalizar una zona que cuenta con originales espacios de ocio, y con renombrados centros culturales como el Conde Duque.

La fábrica de Cervezas Mahou fue construida en 1894 por Francisco Andrés Octavio, en la calle Amaniel, frente al Convento de las Comendadoras de Santiago, con fachadas a la calle Montserrat y del Limón. Este complejo industrial llegó a ser muy importante, siendo ampliado en numerosas ocasiones. Desde muy pronto, apenas cinco años después de su nacimiento, comenzaron las obras de reforma que a lo largo de más de un siglo han ido transformando la construcción original.

La primera ampliación fue llevada a cabo por José López Salaberry entre 1899 y 1900. El propio Andrés Octavio realizó la segunda, siendo reformado el edificio entre los años 1901-1907. Entre 1916 y 1930 Lorenzo Gallego Llausas se encargó de la tercera rehabilitación.

José López Salaberry fue un arquitecto muy unido a la ciudad, puesto que participó en los planos de la Gran Vía, creó el Casino de Madrid, decidió el lugar que hoy ocupa la Cibeles… Y, casualidades de la vida, fue él quien diseñó la fachada del edificio de ABC y Blanco y Negro en la calle Serrano.

La construcción que se conserva, de ladrillo visto con adornos de inspiración neomudéjar, consta de cuatro plantas más tres sótanos. En la calle Amaniel existía un cuerpo bajo o galería con grandes ventanales y cornisa.

Con el traslado de la fábrica al Paseo Imperial, en el año 1962 llegó una época de abandono, incluso derribos, construyéndose varias viviendas en terrenos de la antigua fábrica.

En la década de los 90, el edificio fue nuevamente reformado por Salvador Pérez Arroyo para alojar el Archivo Regional madrileño, centro creado en 1993. La galería fue utilizada como taller de restauración y los sótanos fueron depósitos de documentos. El resto del edificio se dedicó a oficinas y otros servicios.

En la calle del Limón se construyeron viviendas, conservándose parte de la fachada de ladrillo.

En 2003 el Archivo fue trasladado a la nueva sede en la calle Ramírez de Prado, curiosamente otra antigua fábrica de cerveza, El Aguila. La antigua Fábrica de Cervezas El Aguila es otro ejemplo de arquitectura industrial de comienzos del siglo XX rehabilitada y ampliada, realizada esta vez por los arquitectos Luis Moreno García-Mansilla y Emilio Tuñón Álvarez. En esta fábrica se aloja, además del Archivo Regional de la Comunidad de Madrid, la Biblioteca Regional.

Finalmente, la antigua fábrica de Mahou fue reformada por los arquitectos Mª José Aranguren y José González Gallegos para albergar el Nuevo Museo ABC de Dibujo e Ilustración.

La edificación existente tiene un posible doble acceso desde dos calles que las conectan con un patio interior.

Uno de los accesos a la antigua fábrica, el de la calle Amaniel, se producía bajo un cuerpo edificado longitudinal de una planta de altura que cierra el patio interior hacia la calle. Desde este frente se planteó la puerta principal de acceso al nuevo Centro ABC. Para ello, se reestructuró el mencionado cuerpo longitudinal como una gran “viga” de vidrio traslúcido que opera como dintel de un hueco de paso hacia el patio interior. En su interior se aloja la cafetería, y bajo ella, a través de un suelo de vidrio sobre el que se accede al patio, toma luz la planta sótano del nuevo centro.

Para crear un espacio o “atrio” de la nueva institución, que le permita expresar su carácter contemporáneo y moderno, se proyectó el uso del patio interior como ese espacio, antesala de acceso al edificio y que es el vestíbulo previo al ingreso al interior del mismo.

El mecanismo arquitectónico utilizado para obtener este objetivo se basa en la creación de un “vacío tensionado”, un “diedro espacial” formado por el plano horizontal del suelo del patio y el plano vertical de la fachada interior de la antigua fábrica.

Los dos planos se construyeron con un mismo material de acero pavonado en tono gris mateado y oradados los dos por similares huecos triangulares, suministradores de luz al interior de los espacios que sirven. Con ello se genera un “espacio ingrávido” a caballo entre lo real, lo imaginario y lo simbólico. Como un “gran imán” atrapa y transporta al visitante, con un determinado poder de seducción hacia el interior de la nueva institución, provocando a la vez curiosidad, ansiedad y placer al visitarla.

La construcción de un espacio con un marcado carácter escenográfico no significa renunciar a saber dosificar qué sensaciones se quieren provocar para marcar la identidad del nuevo centro.

Alcanzar la sencillez y abstracción es un proceso tremendamente complejo. Mies van der Rohe.

Cuanto más sencilla parece una cosa por fuera, más oculta cosas infinitamente complejas en su interior.

Al exterior se ha creado una “barra de luz” sobre la cubierta de la antigua fábrica. Su construcción pretende resolver los espacios de acogida de maquinaria de instalaciones, alojar un espacio de trabajo y lectura luminoso sobre la ciudad, e identificar desde el centro Conde Duque a la Fundación ABC como una “nueva linterna” en la ciudad.

En la planta sótano se aloja la gran sala de exposición, tomando luz natural a través de un sistema de lucernarios oradados en el patio interior. También en esta planta se ubica el archivo y depósito de la colección ABC, así como los almacenes y dependencias auxiliares.

En planta baja se crea el área de acceso e información, tienda y espacio polifuncional de salón actos, exposiciones y otros eventos, con posible apertura y ampliación hacia el nuevo patio central a través de un gran frente de puertas acristaladas.

En planta primera se sitúa la cafetería con posible conexión y apertura independiente con la calle, conectada con la tienda que también tiene acceso independiente, además del que la conecta con el área de acceso e información.

En planta segunda se alojan los talleres para jóvenes y artistas de reconocido prestigio, junto con la sala didáctica de talleres.

En planta tercera tienen acogida el área de catalogación y tratamiento documental, así como la biblioteca con su área de investigación y documentación con ordenadores, conectadas a través de escalera independiente con la planta superior de administración y dirección.

Por último en planta cuarta se aloja la sala de maquinaria de instalaciones, y a su lado y sobre ella las zonas de administración y dirección, que disfrutan de la envolvente de vidrio que los proyecta sobre la ciudad.

GALERÍA BLANCA BERLÍN
Del 1 de junio al 10 de septiembre del 2011

PHOTOESPAÑA 2011

Han Sungpil es uno de los fotógrafos contemporáneos más conocidos de Corea. Nació en 1972 y comenzó su carrera en fotografía mientras estudiaba en la Universidad Chung-Ang en Seúl. Tras graduarse se unió a Korea Fuji Film Co., Ltd., donde realizó diversas exposiciones y tuvo la oportunidad de trabajar para fotógrafos profesionales en el departamento profesional de fotografía.

Esta experiencia de trabajo y sus exposiciones le dieron la oportunidad de estudiar en el extranjero. En el 2005 finalizó su máster en “Comisariado de Diseño Contemporáneo” en la Universidad de Kensington en Londres, en colaboración con el Museo del Diseño de Londres. También finalizó dos programas de residencia sobre arte: Beca de la UNESCO-Aschberg para Artistas en Residencia en Selasar Sunaryo Espacio de Arte, Indonesia; y la Beca de la Fundación de la Cultura y Artes Coreanas para Artistas en Residencia en CAMAC, en Francia en 2005.

Sungpil ha realizado varias exposiciones individuales en Corea, Japón, Alemania, España, Reino Unido y Estados Unidos, incluyendo recientes exposiciones en el Instituto Goethe de Frankfurt-am-Main, Alemania y la Galería De Santos en Houston.

. Façade

El Renacimiento aportó a la historia del arte una de sus invenciones más valiosas: la perspectiva, la habilidad de transportar la realidad tridimensional a un plano de dos dimensiones. La fotografía, siglos después, se adueñó de este avance logrando que la representación de una escena pareciera tan real como si estuviera ocurriendo ante los ojos del observador.

A través de la serie Façade, Han Sungpil se ha imbuido en el placer epistemológico y en el efecto ilusorio de la confusión entre realidad y representación. Profundiza en las ambivalentes fisuras que se crean al llevar una escena a un plano de dos dimensiones mediante la representación fotográfica. La imagen resultante ¿nos está mostrando una realidad tridimensional aparente o es un espejo de esa realidad? ¿Estamos ante una interpretación auténtica del suceso o lo que vemos es una falsificación idealista del mismo?

Si, además, la escena fotografiada es un ejercicio realizado deliberadamente para producir un engaño perceptivo como ocurre con el trampantojo, el espectador se encuentra ante un atractivo y sutil juego de equívocos que le obliga a escudriñar las fronteras entre lo genuino y lo ficticio, entre lo verdadero y lo falso. Le sitúa, al mismo tiempo, a un lado y otro del espejo. El objeto real es sometido a una doble suplantación de la realidad, primero, mediante la imagen conseguida con la técnica del trampantojo y después, con la propia fotografía. Es el duplicado de un duplicado, con el que el artista consigue difuminar la diferencia entre lo auténtico y lo ilusorio creando una realidad virtual.

Han Sungpil nos sitúa en este trabajo, realizado a lo largo de dos años en distintas ciudades europeas y coreanas, ante una serie de fotografías aparentemente simples pero cargadas de inquietud reflexiva. A medida que forzamos la mirada sobre ellas vamos descubriendo que lo que vemos no se percibe a primera vista tal y como es en realidad. Algo incierto ocurre en las proporciones, las luces, las escalas…

La propuesta expositiva de Façade está estructurada a partir de un doble registro. En primer lugar, una fachada temporal que se sitúa sobre la fachada real en mal estado durante las obras de restauración. En segundo lugar, una fachada permanente que se convierte en parte del edificio desde el comienzo. La temporal es fugaz y finita, puesto que desaparecerá cuando las obras se terminen. Al mismo tiempo, actúa como una máscara que esconde la apariencia real. Tal fachada es una imitación que parece más real que la original puesto que no sólo se parece al objeto real, sino que además parece más deteriorada por el tiempo. Réplicas efímeras destinadas a desaparecer una vez concluidas las obras y a las que sólo la fotografía de Han confiere la cualidad de permanencia. Sin embargo, las fachadas permanentes implican un trabajo “mural” sobre los paramentos de los monótonos y tediosos edificios, lo que les proporciona autonomía a pesar de su forma o estructura. También puede funcionar como un arte público, en definitiva, graffitis con vocación de pervivencia que se convierten en parte del edificio desde el instante mismo de su creación.

En línea con la teoría de la apropiación, articulada a principios de 1980 por Crimp y Salomón-Godeau, en la que se cuestionan nociones como originalidad, singularidad y autoría, el fotógrafo coreano se apropia de los telones y graffitis urbanos para descontextualizarlos e incorporarlos a una nueva narración.

Siempre eligiendo un plano general de la fachada del edificio, por un lado se centra en aquellas estructuras que, en épocas de reconstrucción, han sido tapadas por lonas donde se reproduce la arquitectura anticipando al viandante cómo quedará después de la restauración.

En este sentido, el ejercicio fotográfico de Han Sungpil no sólo ofrece una adivinanza sobre lo que se está contemplando, sino que teoriza planteando una reflexión sobre lo efímero. En cierto modo lo que está llevando a cabo es un tipo de fotografía como se hiciera con el land art, porque lo que queda después de esa lona es sólo el recuerdo plasmado en sus fotografías.

En Façade, Han Sungpil muestra mediante el montaje digital y la superposición de imágenes las fisuras que se producen entre lo que se ve y lo que se cree estar viendo al llevar una escena a un plano de dos dimensiones diferentes. No exento de delicadeza y poesía en lo que muestra, el resultado es inquietante, lleno de preguntas que el espectador se hace hacia lo que está viendo con la extraña sensación de encontrarse dentro de un sueño, una representación teatral e incluso un acertijo. Un espejo, una realidad tridimensional, un decorado, una ficción… ¿Lo que vemos es real o sólo una recreación llena de simbolismo? No hay mejor artista que el que genera preguntas de difícil respuesta.

No menos interesante son sus imágenes donde juega con la ilusión del trampantojo (trompe-l’oeil). El efecto podría ser similar al conseguido por las lonas, no obstante va más allá. El fotógrafo se apropia de los edificios cuyas fachadas han sido pintadas con la técnica del trampantojo y nos ofrece una imágen dentro de la imágen. Nada es inventado. Son fotografías reales sobre sitios reales. La ilusión la provoca el propio trampantojo y la perfecta situación de la cámara del fotógrafo, creando de este modo una visión que se nos antoja irreal.

Un ejemplo de “trompe-l’oeil” (una técnica artística que consiste en crear ilusiones ópticas) donde forma parte de la construcción se puede ver en su fotografía “Back to the Future”.

Aquí se ilustra una excéntrica imagen que va más allá del sentido común. Lo más destacado es el carruaje de caballos que se apresura por una calle entre dos edificios. Una pareja de caballos blancos están galopando cuesta abajo mientras que un chorro de vapor sale de un motor en la parte trasera.

La farola que emite luz en la parte izquierda del edificio parece ser de larga exposición. Además, es fácil de reconocer que el vagón es una pintura en el muro, no un objeto real capturado en un instante. Sin embargo, los límites entre los mundos reales y virtuales se difuminan en esta delicada combinación de presente y pasado y de momento y perpetuidad.

La escalera situada verticalmente entre los edificios debe ser una pintura, pero, ¿qué es la estructura curva que aparece donde se apoya la escalera?, o ¿es real la extensión del muro externo del edificio de la izquierda (que es el telón de fondo del carruaje)?. Uno puede experimentar placer visual de la realidad incompleta donde una imitación aparentemente genuina (hasta el punto de que es difícil determinar los límites entre lo real y lo irreal) no puede ser pasada por alto.

Por otro lado, toda la pintura resulta ser una genuina “trompe-l’oeil”, maximizando su falsedad. En ese caso, la ilusión desaparece de algún modo, porque el hueco entre la realidad es tan amplio que su presencia (realidad de la pintura) no es ya convincente.

Han Sungpil ha perseguido contínuamente la relación de conceptos que están estrechamente relacionados con las artes visuales -apariencia frente imitación, representación frente a realidad, y fantasía frente a ficción. Tales elementos que carecen de rigor científico, como la ilusión óptica, la magia de la representación y la ilusión de las imágenes, sostiene estos conceptos. En este sentido, arte no es conocimiento, sino ciencia. Sus fotografías una vez más ponen de manifiesto preguntas sobre los valores en estos dominios “misteriosos”, más allá del conocimiento. Nuestros ojos son susceptibles a la ilusión óptica. En su serie Façade, la “trampa” es más sofisticada, perteneciendo claramente al dominio de la magia.

Han Sungpil es, en algunos casos, el artífice de la propia ilusión, como en The Ivy Space. La foto muestra el edificio que alberga la redacción de la revista coreana de arquitectura “Space”, famoso por sus paredes de ladrillo recubiertas de hiedra. El fotógrafo, en un experimento para hacer visible la vida del interior del inmueble, realizó una serie de capturas digitales de los despachos y zonas interiores del mismo, obteniendo el permiso de Space para colgarlas en el exterior, haciendo con ello partícipe al espectador que estaría observando la vida interior en un nuevo juego de realidad-ficción. La instalación no pudo mantenerse mucho tiempo debido a problemas técnicos, pero subsistió en la obra que vemos en Façade y en las bolsas ecológicas que el artista fabricó con los trozos de la lona una vez descolgada.

Muy sugerente es Plastic Surgery, reproducción del paño de tamaño natural que envolvió la puerta medieval de Namdaemun en Seúl durante su reconstrucción tras un incendio. El coreano, con una cierta dosis de amargura y mucha ironía, bautizó esta obra como Plastic Surgery (Cirugía Plástica) porque “la ilusión”, en sus propias palabras, “vino a sustituir a la verdadera puerta, ya desaparecida”.

The Light of Magritte nos sitúa ante un interesante artificio visual planteado en primera instancia por el muralista al que se le encargó enfundar el Museo de Magritte de Bruselas durante su construcción. El mural reproduce el famoso cuadro El imperio de la luz del pintor belga enmarcado por unos enormes cortinajes que representan el edificio del museo abriéndose al universo imaginario del artista europeo. Una pintura dentro de la pintura, a la que Han añade un tercer estrato de ilusión al introducir en su fotografía las farolas de la calle, muy similares a la que aparece en el cuadro.

Es interesante advertir como, a partir de una estrategia renovada, en la obra del fotógrafo encontramos la misma intencionalidad que se desprende del cuadro del pintor: desconcertar al espectador, enfrentarle a una realidad incierta. En El imperio de la luz, la imagen de una calle nocturna y oscura coexiste con el azul pastel de un cielo rebosante de luz. Mediante la paradójica combinación del día y la noche, René Magritte subvierte una premisa fundamental del orden de la vida obteniendo una escena perturbadora. En The Light of Magritte Han Sungpil multiplica los recursos manteniendo la poesía. A través de la creación de diversas capas de realidad, invita al espectador a penetrar en cada una de ellas para descubrir su propia verdad. Quizá, esa pequeña luz que persiste en medio de una oscuridad fingida que, sin embargo, es abrazada por la noche certera en que el artista tomó la fotografía.

CASA DE AMÉRICA
Del 2 junio al 11 de septiembre del 2011

PHOTOESPAÑA 2011

Alécio de Andrade (Brasil, 1938 – Francia 2003) es un fotógrafo, pianista y amigo de escritores y músicos de todo el mundo. Cursó sus estudios universitarios de derecho en Río de Janeiro, su ciudad natal. Interesado desde muy joven por la música y la poesía, fue premiado en varias ocasiones por su obra lírica. En 1964 se mudó a París, donde viviría hasta su muerte. Realizó fotografías por encargo de medios como Newsweek y Elle, y fue miembro de Magnum Photos. Con Henri Cartier-Bresson como referencia, su obra está marcada por el uso del blanco y negro y la ausencia de retoque o flash.

Desde 1964 y durante casi treinta y nueve años Alécio de Andrade recorrió las salas del museo del Louvre, tomando más de 12.000 fotografías.

Cada una de ellas, usando como armas el sentido del humor y la ternura, revela tanto la apropiación de los espacios del museo por el público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre los visitantes y las obras de arte.

Su obra no intenta buscar un orden cronológico ni catalogar las transformaciones sufridas en el museo a través de los años, sino que el punto de vista de Andrade es el de extraer simpáticas resonancias entre las imágenes que cuelgan de las paredes y las actitudes de los visitantes.

A través de sus fotografías se puede ver un amplio catálogo de tipos sociales y de reacciones, desde la del avezado estudioso que escruta los cuadros a un centímetro de distancia, hasta la festiva indiferencia de los niños.

Cada imagen semeja una escena de teatro que se contempla por encima de los hombros del artista, mientras los visitantes ofician de actores.

Una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelar estas relaciones que surgen entre el espacio, las obras y el público.

CASA DE AMÉRICA
Del 2 junio al 11 septiembre del 2011

PHOTOESPAÑA 2011

Carlos Endara Andrade (13 de abril de 1865 – 1954) fue un fotógrafo ecuatoriano que desarrolló su trabajo en Panamá, convirtiéndose en uno de los pioneros de la fotografía panameña.

Nacido en Ibarra, en 1865 se trasladó a Panamá en 1886 en busca de su padre que estaba trabajando en la construcción del Canal y como disponía de estudios de dibujo entró a trabajar en la Compañía Universal del Canal Interoceánico.

Debido a la estrechez del istmo y su estratégica ubicación geográfica, Panamá siempre ha sido una ciudad global. Al igual que  tantos hombres provenientes de cada rincón del mundo, el joven pintor ecuatoriano llegó a Panamá atraído por las obras de la Compagnie Universelle du Canal Interocéanique, donde trabajó como dibujante. Con la escandalosa quiebra del canal francés, Endara se volcó por entero a la fotografía.

Conoció al fotógrafo francés Luis Blanc y pronto se asoció con Epifanio Garay con el que fundó el estudio fotográfico “Garay-Endara” de Panamá en 1888. Entre 1899 y 1904 estudió Bellas Artes en París, especializándose en las técnicas fotográficas. Como fotógrafo, Carlos Endara registrará las influencias francesas y colombianas en el istmo, el legado colonial español,  los comienzos del nuevo canal a cargo del gobierno estadounidense y el desarrollo pujante de la capital panameña.

En 1910 fundó un estudio con su hermano Victoriano que ocupaba cinco plantas y era el más conocido en la ciudad de Panamá. El filántropo panameño Mario Lewis Morgan restauró este estudio fotográfico, el primer edificio en altura del país, y que dispone del primer ascensor eléctrico que funcionó en Panamá. Desde 2009 se convierte en la Casa Museo Endara. No se conserva en las Américas otro estudio histórico de esta índole.

Su trabajo fotográfico se centra en el retrato aunque también refleja aspectos clave de la vida en su época. El lente de Endara documentó durante muchas décadas el desarrollo pujante de la ciudad de Panamá, numerosos actos públicos trascendentes y la vida cotidiana de la calle.

En sintonía con la fe colectiva en el progreso social, para Endara un factor clave debía ser la voluntad niveladora: blancos, negros, amarillos o mestizos, hombres y mujeres, aparecen retratados en un clima igualitario. El amplísimo espectro de su registro humano y ambiental distingue a Carlos Endara de la mayoría de los más importantes fotógrafos de la época.

Carlos Endara Andrade fue un virtuoso del retrato decimonónico. Los escenarios ficticios de resonancias simbólicas y sociales de los que se valía realzaban y travestían, a la vez, la verdadera identidad de los personajes de sus instantáneas. Por eso este cronista visual nacido en Ibarra en 1865 hizo historia en Panamá.

Es amplísimo el espectro de su registro humano y ambiental siempre con gran énfasis en los detalles y precisa geometría y balance entre grises, blancos y negros. Plasmó la cotidianidad del mosaico étnico de la urbe en un momento en que retratarse era una expresión de progreso individual y poder adquisitivo.

Documentó las calles, las plazas, los parques de la ciudad que convirtió en su hogar hasta su muerte en 1954. Posar ante su cámara era un verdadero privilegio. Lo sabían hasta los presidentes de la República como Belisario Porras (estuvo en el poder durante tres períodos) que lo convirtieron en su fotógrafo predilecto. Recurría a exóticos telones de fondo y a toda clase de disfraces, atuendos y artificios para idealizar la identidad de sus fotografiados.

En su trabajo se distinguen también los retratos grupales. Endara revela el espíritu unido de conjuntos humanos que comparten una misma fe en el progreso y el crecimiento social.

Endara realizó un retrato de un Panamá “feliz”, no por la carencia de tensiones e injusticias (como en la cáustica distopia de Huxley), sino todo lo contrario. Se dispuso a retratar lo que él veía como una sociedad venturosa porque el motor que movía el engranaje socioeconómico hacia adelante era un conjunto dinámico de contradicciones en constante transformación.

Su optimismo se mantuvo vivo durante las tres primeras décadas del siglo XX, pero va ensombreciéndose ante la corrupción política del ideario liberal y las graves secuelas que dejaron la crisis económica mundial y la posguerra.

Carlos Endara comprendió muy pronto que la fotografía era una insuperable herramienta de comunicación y, por ende, el agente más eficaz para promover el avance de la ciencia, el progreso y la democracia liberal, lo que para él -y para muchos en ese entonces- representaba el trío inseparable de fuerzas sociales.

Su obra, desconocida en Ecuador, es un referente de la fotografía en el país centroamericano. Se convirtió en un ícono de la generación que fundó esta república, a fines del siglo XIX y la primera mitad del XX. Su lente refleja el espíritu de una época.

Colaboró en diferentes revistas y periódicos panameños como Épocas, Panamá Mirror y Estampas, llegó a ser el fotógrafo oficial de varios presidentes y se convirtió en el retratista predilecto de la clase alta, de la nutrida clase media emergente y del mosaico étnico del que siempre ha estado compuesta la sociedad panameña.

El diario La Prensa publicó durante los años 80 y 90 un suplemento, Épocas Segunda Era con fotos de la colección de Mario Lewis (que desde hace varios años se trasladó al diario Panamá América) y desde mediados de los años 90 se han publicado más de 600 fotografías en la página dominical Raíces con fotos cedidas por Ricardo López Arias.

ESPACIO CULTURAL CAMBIO DE SENTIDO (ONCE)
Del 9 junio al 29 julio 2011

PHOTOESPAÑA 2011

. Rafael Sanz Lobato (Sevilla, 1932)

Fotógrafo español que nació en Sevilla en el año 1932. Su familia se trasladó a vivir a Madrid en 1941 y en 1956 se compró su primera cámara fotográfica. En 1964 tomó parte en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. En 1965 con otros fotógrafos fundó el grupo La Colmena. Cuando desapareció el grupo, participó en la creación del Grupo 5.

Su obra se centra en escenas campestres costumbristas, en imágenes de ciudades provincianas y de sus festejos tradicionales, así como retratos, por lo que se ha considerado como pionero en ese tipo de fotografía antropológica. Otros pioneros de la Escuela de Madrid fueron Carlos Hernández Corcho, Juan Dolcet y Manuel Cruzado Cazador.

Es miembro de una generación que está a caballo entre los años 1950 y 1970. En 1971 abandonó la Real Sociedad Fotográfica por diferencias con Gerardo Vielba y poco después se convirtió en fotógrafo profesional. El Ministerio de Cultura, al concederle el Premio Nacional, destacó la coherencia y solidez de su obra, que “constituye un puente entre la nueva vanguardia neorrealista de la postguerra y los métodos de observación fotográfica posteriores a 1968″.

- Retratos

Muchos de los retratos que ha realizado Rafael Sanz Lobato han sido a artistas (pintores, escultores o fotógrafos) unidos con el fotógrafo por una relación de amistad, donde la mayoría de los casos la iniciativo de realizar el retrato ha partido del propio Sanz Lobato. Muchas de estas fotografías presentan una composición muy similar, haciendo que el retratado mire fijamente a la cámara.

El escenario, que se encuentra en el estudio del fotógrafo, y que reúne exclusivamente una mesa y una silla sobre un fondo neutro, presenta la austeridad que caracteriza la personalidad de Sanz Lobato.

La propia frugalidad en la disposición de elementos permite al espectador apreciar con mayor agudeza los resultados de esta serie, en la que conduce a su autor el deseo de revelar, en lo posible, la personalidad del retratado.

. Cristina García Rodero (Puerto Llano, Ciudad Real, 1949)

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, comienza su carrera docente en 1974 dando clase de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. En 1983 comienza a impartir clases de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, actividad que realiza hasta 2007. Ha compatibilizado su tarea docente con la creación fotográfica y la colaboración en diversas publicaciones periódicas españolas y extranjeras.

Sus primeras obras aparecen en los concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca. Posteriormente ha realizado reportajes sobre tradiciones en diferentes países. Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal.

- Serie Lalibela, 2009

Lalibela (Etiopía), un centro cristiano de peregrinación, comúnmente denominado la “Jerusalén de África”, y que ha sido declarado, por la singularidad del entramado de sus once iglesias, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Lalibela es una ciudad monástica del norte de Etiopía, la segunda ciudad santa del país, después de Aksum; es un importante centro de peregrinación. Su población pertenece casi en su totalidad a la Iglesia ortodoxa etíope.

Lalibela, antiguamente llamada Roha, fue la capital de la dinastía Zagüe. Recibió su nombre actual del rey Gebra Maskal Lalibela (1172-1212), canonizado por la Iglesia etíope, que quiso construir en la ciudad una nueva Jerusalén en respuesta a la conquista de Tierra Santa por los musulmanes. Muchos de sus edificios históricos tomaron su nombre de edificios en aquella ciudad.

La ciudad alberga las famosas iglesias talladas en la roca de Lalibela, construidas durante el reinado de Gebra Maskal Lalibela y declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1978. La más emblemática es la de Beta Girorgios (La casa de San Jorge) con planta de cruz griega y quince metros de altura, tallada íntegramente en la roca.

Cerca de las iglesias se encuentran el monasterio de Ashetan Maryam y la iglesia de Yemrehana Krestos, del siglo XI, construida al estilo axumita, albergada en una cueva.

Las fotografías de Cristina García Rodero suponen una nueva exploración en los reportajes etnográficos, particularmente centrados en los fenómenos religiosos, que han reportado a su autora un profundo reconocimiento internacional, como atestigua el hecho de haber sido la primera persona española en ingresar en la muy prestigiosa agencia fotográfica Magnum.

García Rodero, Premio Nacional de Fotografía (1996) y Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes (2005), ha confesado deber a la obra de Sanz Lobato nada menos que la decisión de emprender la ejecución de los fotorreportajes de caracter etnográfico, núcleo tanto de su España oculta (1989), como de sus trabajos posteriores, que tan amplio prestigio han cosechado. El detonante de esta vocación temática fue su descubrimiento de las imágenes tomadas por Rafael Sanz Lobato de la Semana Santa en Bercianos de Aliste (Zamora), reproducidas en el Photography Annual 1971.

García Rodero ha hablado de Sanz Lobato como uno de los maestros de lo que ha definido como una “generación sacrificada” del arte fotográfico español, unos profesionales hacia quienes reconoce una enorme deuda de gratitud por las enseñanzas técnicas y las recomendaciones recibidas de ellos por sus compañeros de generación.

GALERÍA ALEXANDRA IRIGOYEN
Del 2 junio al 2 julio 2011

PHOTOESPAÑA 2011

Alberto Schommer (Vitoria, 1928) se introdujo en la fotografía de mano de su padre, Alberto Schommer Koch, alemán afincado en Vitoria, ciudad en la que abrió un estudio durante la década de los 40. Posteriormente, Alberto hijo se formó académicamente en el campo de este arte en la ciudad alemana de Colonia y en París.

Actualmente es un fotógrafo de reconocido prestigio al cual el gobierno español otorgó la Medalla al mérito de las Bellas Artes 2008. Desde 1996 es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Como reconocimiento a su carrera como fotógrafo y a haberse convertido en una personalidad de prestigio en el campo fotográfico, su ciudad natal tiene una calle en su honor en el barrio de Adurza.

A lo largo de su historia ha realizado centenares de trabajos y viajes, habiendo editado cerca de un centenar de libros y colaborando como jurado o profesor en prestigiosos seminarios o concursos.

Su obra se ha expuesto por todo el mundo, desde Japón a Estados Unidos (Centro para la fotografía creativa de Tucson) y ha recibido importantes y numerosos premios a su labor.

Uno de sus trabajos más conocidos son sus retratos, que llegaron al gran público por medio de su colaboración con el periódico El País (España). Estos retratos, fundamentalmente sobre personalidades públicas y reconocidas de la vida española, aunque también mundiales, como Andy Warhol, han sido reconocidos como uno de sus mejores trabajos. En esta célebre serie, denominada Retratos psicológicos escenifica el poder, la economía y la cultura. Su peculiar forma de abordar el retrato tendrá gran repercusión durante los años setenta y ochenta, y sus fotografías se convertirán en una especie de crónica visual de la Transición.

Pero Schommer no ha sido sólo un fotógrafo de estudio, capaz de seducir a los personajes con poder y a los artistas para que posaran para él con un toque surrealista o consintieran un fotomontaje, sino que el artista que se ha enfrentado a la experimentación sin complejos.